En 1782, cuando contaba con 11 años de edad, Beethoven publicó su primera composición titulada 9 Variaciones sobre una Marcha de Erns Christoph Dressler (WoO 63). Un año después, Neefe escribió en la Revista de Música acerca de su alumno: «Si continúa así, como ha comenzado, se convertirá seguramente en un segundo Wolfgang Amadeus Mozart».[6] En junio del siguiente año, Ludwig es contratado como músico en la corte del príncipe elector de Colonia Maximilian Franz, por recomendación de Neefe. Este puesto le permitió frecuentar la música de los viejos maestros de capilla además de facilitarle la entrada en nuevos círculos sociales, en los que se encontraban algunos de los que serían amigos suyos durante toda su vida, como la familia Ries, los von Breuning (en cuya casa conoció a los clásicos y aprendió a amar la poesía y la literatura), el violinista Karl Amenda o el doctor Franz Gerhard Wegeler (con quien años más tarde viajaría a Viena)
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miércoles, 29 de diciembre de 2010
El padre era alcohólico
Éstos no eran los únicos problemas. El padre era alcohólico, lo que ocasionaría que perdiera el puesto de director de la orquesta de Bonn —puesto heredado del abuelo Ludwig—, y la madre estaba frecuentemente enferma. Aunque la relación con Johann fuera más bien distante, Ludwig amaba mucho a su madre a la que denominaba su «mejor amiga».[5]
El 26 de marzo de 1778, cuando tenía 7 años, Beethoven realizó su primera actuación en público en Colonia. Su padre afirmó que la edad de Ludwig era de 6 años, para que el músico pareciera más joven y destacar su precocidad. Por ello, siempre se creyó que Beethoven era más joven de lo que era en realidad. Debido a que el talento musical y pedagógico de su padre era limitado, Ludwig comenzó a recibir clases de otros profesores. Sus avances fueron significativos, sobre todo en la interpretación del órgano y la composición guiado por músicos experimentados como Christian Gottlob Neefe. Neefe fue un profesor muy importante e influyente en su instrucción y supo valorar inmediatamente el nivel excepcional de Ludwig. Además de transmitirle conocimientos musicales, Neefe dio a conocer a Beethoven las obras de los pensadores más importantes, tanto antiguos como contemporáneoscursos de guitarra bogota
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Primeros años
El padre de Beethoven estaba muy impresionado por el hecho de que Wolfgang Amadeus Mozart daba conciertos a los siete años y quería que su hijo siguiera sus pasos. Con la intención de hacer de Ludwig un nuevo niño prodigio, comenzó a enseñarle piano, órgano y clarinete a temprana edad.[5] Sin embargo, el estudio musical coartó el desarrollo afectivo del joven, que apenas se relacionaba con otros niños. En mitad de la noche, Ludwig era sacado de la cama para que tocara piano a los conocidos de Johann, a quienes quería impresionar; esto causaba que estuviera cansado en la escuela. Ya era usual que dejara de asistir a clases y se quedara en casa para practicar música
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martes, 14 de diciembre de 2010
Mario Domm (integrante de Camila)
Mario Domm
Con total conciencia sobre su misión en la vida, este compositor y productor, sabe invitar a la reflexión amorosa siempre con puntos de vista innovadores. Así lo creen Kalimba, Reyli, Alejandra Guzmán, Paulina Rubio, Alejandro Fernández y Thalía, quienes lo han contratado como creativo musical en numerosas grabaciones. Asimismo, trabajando con éstos y otros proyectos como Sin Bandera, Domm se ha convertido en uno de los más destacados productores de México, algo que en Camila destaca particularmente.
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Con total conciencia sobre su misión en la vida, este compositor y productor, sabe invitar a la reflexión amorosa siempre con puntos de vista innovadores. Así lo creen Kalimba, Reyli, Alejandra Guzmán, Paulina Rubio, Alejandro Fernández y Thalía, quienes lo han contratado como creativo musical en numerosas grabaciones. Asimismo, trabajando con éstos y otros proyectos como Sin Bandera, Domm se ha convertido en uno de los más destacados productores de México, algo que en Camila destaca particularmente.
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Todo cambió le cambió la vida a Camila
Cumpliendo con su nombre, Todo cambió le cambió la vida a Camila en su gira inaugural. Así lo recuerda Pablo: "Pasé de una vida sedentaria a verme envuelto dentro de un remolino de actividades y emociones. Viajé más de lo que había viajado en toda mi vida. He aprendido muchísimo. Ahora disfruto esta maravillosa oportunidad de hacer música con gente talentosa y me doy el lujo de vivir haciendo lo que más amo".
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la fórmula del trío
Sin duda la fórmula del trío se halla en cómo se completan: "Yo admiro mucho a Mario por su forma de escribir canciones, por lo perfeccionista que es al producir y porque está al pendiente de todo", explica Pablo. "Creo que es un genio. Samo es un cantante virtuoso y con un feeling increíble. A pesar de no saber teoría de la música, tiene una intuición y un oído que le permiten crear armonías increíbles. Es muy creativo y tiene un rango vocal enorme".
Con experiencias en los teatros Nokia de Nueva York y Los Angeles, en el Choliseo de Puerto Rico, en todo Centro América, en el Barquisimeto de Venezuela (adonde metieron 100 mil personas), en múltiples foros de Colombia, en el Ferro y Gran Rex de Argentina y finalmente en el Festival Viña del Mar de Chile, Camila nunca soñó un mejor cierre de ciclo: "¡Nos llevamos las dos Antorchas y la Gaviota! Íbamos para cantar tres temas y terminamos tocando nueve", recuerdan.
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Con experiencias en los teatros Nokia de Nueva York y Los Angeles, en el Choliseo de Puerto Rico, en todo Centro América, en el Barquisimeto de Venezuela (adonde metieron 100 mil personas), en múltiples foros de Colombia, en el Ferro y Gran Rex de Argentina y finalmente en el Festival Viña del Mar de Chile, Camila nunca soñó un mejor cierre de ciclo: "¡Nos llevamos las dos Antorchas y la Gaviota! Íbamos para cantar tres temas y terminamos tocando nueve", recuerdan.
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lunes, 6 de diciembre de 2010
Regreso a Buenos Aires
Al terminar el verano de 1923 Julio vuelve a Buenos Aires y se incorpora a la orquesta que estaba organizando el prestigioso pianista y compositor Juan Carlos Cobián, conjunto que quedó para la historia pues significó el antecedente directo del movimiento de transformación instrumental más importante del tango,[2] integrada por Juan Carlos Cobián (piano), Agesilao Ferrazzano y Julio De Caro (violines), Pedro Maffia y Luis Petrucelli (bandoneones) y Humberto Costanzo (contrabajo). Actuaron en el Abdulla Club de la Galería Güemes y grabaron para RCA Víctor, entre ellos los temas de De Caro La machona, Astor, Carita de ángel y La confesión.
Con Enrique Delfino
Al poco tiempo Julio viaja a Montevideo para hacer una serie de actuaciones con Enrique Pedro Delfino. Cuando finalizan en 1922 permaneció en Montevideo donde poco después se incorporó a la orquesta del bandoneonista Minotto Di Cicco. Más adelante Francisco se unió a la orquesta para reemplazar al pianista Fioravanti Di Cicco y esa fue la primera oportunidad en que los hermanos trabajaron juntos en una agrupación profesional. Julio estrenó allí sus tangos La Farándula, Maridito Mío, Milonga Corrida, Jardín florido y Minotito y en la misma época los hermanos De Caro compusieron La mazorca y El bajel.
La relación profesional de Julio con Minotto finalizó en excelentes términos cuando el primero aceptó la propuesta de incorporarse al trío integrado por Antonio Gutman en bandoneón, Roque Ardit en piano y Pedro Aragón en violín con la finalidad de mejorar con sus conocimientos de música el estilo de ejecución del conjunto.
Exitos
Algún tiempo después y pese al éxito de público que tenían, el conjunto se disolvió en forma amigable porque sus integrantes habían recibido propuestas que los satisfacían: Maffia volvía con Firpo, De Caro y Rizzuti se incorporaron a la primera orquesta de Osvaldo Fresedo para actuar en el Casino Pigall. Durante el viaje que Fresedo hizo a Estados Unidos a mediados de 1920 para grabar el conjunto continuó actuando en el lugar pero al regreso Fresedo los dejó en libertad de acción porque no pensaba reincorporarse a la orquesta.
sábado, 4 de diciembre de 2010
Gira por españa
Maizani había hecho diversas giras en el país y en 1931 en sociedad con el violinista Roberto Zerrillo (su pareja sentimental) formó la "Compañía Argentina de Arte Menor" que con la dirección artística de Mario J. Bellini viajó a España y debutó el 11 de septiembre en el teatro Alcázar de Madrid. La compañía hizo representaciones en Alicante, Barcelona, Bilbao, Burgos, Santiago de Compostela, Teruel, Valladolid, Santander, San Sebastián, Huesca, Gijón, Zamora, Valencia, Palma de Mallorca y Zaragoza. El 14 de abril de 1932 inició una gira por Portugal que comenzó en el teatro María Victoria de Lisboa y siguió en Oporto, Braga y Coímbra. También actuaron en Biarriz (Francia), siempre con renovado éxito y retornaron a Buenos Aires el mismo año.
En el teatro San Martín
En 1925 trabajó en el teatro San Martín en la compañía encabezada `por Héctor y Camila Quiroga estrenando dos tangos que luego se popularizaron: Silbando y Organito de la tarde. Siguió en 1926 en el mismo teatro con Elías Alippi y en el teatro Hipodrome ubicado en Corrientes y Carlos Pellegrini. Durante 1927 actuó en el teatro Porteño, y algunos de sus éxitos fueron las interpretaciones de Pato, Amigazo y Esta noche me emborracho.
En 1928 la contrató Radio Prieto, una importante radioemisora de Buenos Aires. Esa temporada pasó al teatro Maipo. Al año siguiente hizo presentaciones en Montevideo y se produce su primera actuación en cine en la película muda La modelo de la calle Florida dirigida por Julio Irigoyencursos de guitarra bogota
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Continuación del trabajo
Continuó en el teatro esa temporada y al mismo tiempo comenzó a trabajar en radio y a grabar discos. Una idea de su éxito la da el hecho de que en su debut teatral le habían pagado doscientos pesos por mes y en la radio comenzó a ganar la misma suma pero por cada audición. En el verano se unió a la compañía de los hermanos Leopoldo y Tomás Simari en el teatro Smart con la obra Ma-chi-fu de César Bourell y en 1924 pasó a trabajar en la obra Cristóbal Colón en la Facultad de Medicina con Florencio Parravicini, famoso por los agregados ("morcillas" en la jerga teatral de la época) que iba introduciendo y variando en cada representación. Esa temporada Maizani estrenó las piezas de José Bohr Pero hay una melena y Cascabel cascabelito y comenzó a grabar con la orquesta de Francisco Canaro
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miércoles, 24 de noviembre de 2010
El éxito en alemán
"Nadie esperaba lo que pasó -recuerda Landers-. No teníamos idea de lo que el futuro tenía para nosotros. Sólo queríamos provocar y hacer música buena y propia. Hacemos la música que a nosotros mismos nos gustaría escuchar en la radio".
Ya reúnen seis álbumes en estudio, con casi todas las letras en su idioma, que los han llevado por todos los continentes. El último es 'Liebe ist für alle da' (Hay amor para todos), que fue censurado por considerarse que la canción principal, 'Ich tue dir weh' (Te hago daño), hace una apología de la violencia carnal.
"No sabemos por qué tenemos éxito al cantar en alemán. No hay una receta -afirma Landers-. Los fanáticos de todo el planeta están muy cerca de Rammstein. Creo que la única manera de hablar no es con palabras, sino con las llamas de fuego y los instrumentos. Es igual en todo el mundo". El tiempo
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mas de rammstein
Ni siquiera el veto no declarado de los medios de comunicación alemanes, a los que no les divierten las transgresiones del grupo ni siquiera en medio de la apertura que generó la caída del Muro de Berlín. Cabe recordar en este punto que, antes de 1990, cinco de los seis miembros de la agrupación se habían dedicado a evadir al Ejército Nacional del Pueblo de la República Democrática Alemana, donde vivían, mientras compraban discos que llegaban de contrabando. ElTiempo
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Rammstein
En el controvertido clip, todos los integrantes de Rammstein se convierten en actores porno. En entrevista con ELTIEMPO.COM, Landers contó detalles de la grabación: "Antes (de entrar a grabar al set), nos sentíamos como en la sala de espera del odontólogo; todos esperábamos el turno para ser filmados en 'ello', y mientras tanto nos emborrachábamos para no tener tanta vergüenza".
Parece que nada amilana a los integrantes de Rammstein, una banda que se ha mantenido arriba por 16 años, desde que irrumpió con el disco 'Herzeleid', en 1994, y que se volvió un fenómeno mundial con 'Sehnsucht', en 1997.El Tiempo
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Rammstein y The Smashing Pumpkins coinciden en Bogotá
El guitarrista Paul Landers es un hombre de familia. Tiene dos hijos. De niño, atendía con juicio sus clases de violín. De repente, se encuentra en un cuarto satinado de motel barato, poniendo billetes en la tanga de una rubia de formas imposibles. Cámaras y luces les apuntan. Registrarán una penetración explícita. Y no hay lugar para mirar atrás: no es la primera vez que romperá la barrera del pudor y sabe que esto no será más atrevido que lo que tendrá que hacer en el futuro, junto con su banda, la inagotable Rammstein.
La escena hace parte de la aventura que fue grabar el video de 'Pussy' -que se puede ver solamente en un sitio web pornográfico-, uno de los últimos sencillos de esta agrupación alemana de metal industrial, que traerá todo su atrevimiento a Bogotá el 3 de diciembre. El Tiempo
sábado, 18 de septiembre de 2010
Petenera
Las peteneras[1] son un tipo de cante flamenco que se basa en una estrofa de cuatro versos octosílabos que se convierten en seis o más por repetición de algunos de los versos y el añadido de otro a modo de ripio que suele ser “Madre de mi corazón”. Las letras de este palo flamenco son tristes y melancolicas y se interpreta de forma lenta y sentimental, aunque existen versiones antiguas con ritmos más rapidos y temas menos sombrios.
Existía como forma musical previamente a su adaptación al flamenco, estando para algunos estudiosos emparentada con la zarabanda del siglo XVII.
Su nombre proviene de una cantaora natural de Paterna de Rivera (Cádiz) llamada La Paternera que vivió a finales del siglo XVIII. Para algunos las raíces de este cante son judías, otros en cambio piensan que tiene una procedencia americana, concretamente del departamento de Petén en Guatemala.
La Nana Andaluza
Las canciones de cuna en Andalucía, están íntimamente ligadas a una tradición de origen castellano que deja vislumbrar, en lo musical, trazos de ancianidad morfológica.[1] Pueden establecerse unas determinadas características en la canción de cuna andaluza:
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La Nana en la música clásica
Las nanas escritas por compositores clásicos adoptan la forma y nombre de berceuse, que es una palabra francesa que significa nana y cuna, a la vez. Una famosa berceuse es el solo de Chopin para piano, opus 57. También hay una conocida nana compuesta por Johannes Brahms, que el autor escribió en ocasión del nacimiento del segundo hijo de la joven cantante Bertha Faber. Compositores como Liszt, Ravel, Balakirev, Stravinsky y Gershwin compusieron igualmente este tipo de piezas.
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jueves, 12 de agosto de 2010
Instrumentos del vallenato
Las melodías de estos cantos se interpretaron primero con la flauta de caña de millo o carrizo, abierta en sus dos extremos con cuatro orificios en su longitud y una lengüeta que forma la embocadura y pisa un hilo, sostenido por los dientes, para modular el sonido; a ella se sumaron la caja, una especie de tambor pequeño hecho artesanalmente del tronco hueco de los árboles secos y sellado en uno de sus extremos con un pedazo de cuero templado, y la guacharaca, instrumento ancestral indígena que se fabrica utilizando un pedazo de cañabrava a la que se le hacen pequeñas ranuras sucesivas para producir un sonido raspativo al ser frotadas con un hueso (originalmente).
A finales de 1800, décadas después de su invención, el acordeón llegó a Colombia por el puerto de Riohacha, en la Península de la Guajira, en las manos de los marinos y los piratas europeos, y aquí se quedó para siempre como compañera de esos vaqueros y campesinos que desentrañaron sus secretos melódicos y la incorporaron a sus expresiones musicales, y paulatinamente fue sustituyendo al carrizo hasta convertirse en el instrumento principal del conjunto típico de música vallenata.
Además de estos tres instrumentos, caja, guacharaca y acordeón, que representan la tri-etnia que dio origen a la raza y cultura de la Costa Caribe colombiana, el conjunto típico vallenato de hoy presenta un cuarto elemento básico que es el cantante, de más o menos reciente incorporación a raíz de los festivales vallenatos, ya que hasta los años 60 del siglo XX la costumbre era que el acordeonero o acordeonista, llevara la voz cantante e interpretara él mismo la letra de las canciones que tocaba. wikipedia
Etimología del vallenato
No se sabe con exactitud de dónde proviene la palabra "vallenato", a pesar de las muchas hipótesis que han sido expuestas. Sin embargo, a principios del siglo XX, tenía una connotación despectiva y a los propios habitantes de Valledupar no les gustaba. Por tal motivo, en 1915 don Miguel Vence, educador de primaria, fundó una Academia de la Lengua de Valledupar, la cual sesionó una sola vez y determinó que el gentilicio de los nacidos en Valledupar fuera "valduparense".[2]
Generalmente se define al vallenato como un género musical de la Costa Caribe colombiana, más precisamente del área de influencia de Valledupar, capital del departamento de Cesar. Se sostiene que el nombre proviene del gentilicio popular de los nacidos en la ciudad donde tiene mayor arraigo este género. Según algunos, se trata de un neologismo que nació con los nativos viajeros en mulas, que cuando se les preguntaba en otras tierras de dónde eran, en su decir campesino respondían "Soy nato del Valle", que es como decir "Soy del Valle nato".[3]
No obstante que el término "vallenato" puede referirse a los nacidos o a las cosas que se originan en Valledupar (Valle de Upar, el valle de Eupari, cacique indígena legendario de la región),[4] existen otras versiones de la denominación: Según Barrameda Morán, el vocablo "ballenato" pasó a designar a todas las personas que padecieran la contaminación sanguínea producida por el jején, fueran oriundos o no de Valledupar y dice: "La tendencia popular a confundir V con B en su pronunciación, terminó por generar el nuevo vocablo: Vallenato".[3]
De manera similar, otra versión sostiene que en las áreas rurales de los bancos del río Cesar, muchos de los habitantes extremadamente pobres sufrieron de una enfermedad producida por un mosquito que les dejó la piel seca y escamosa, con parches descoloridos. La gente asoció la enfermedad con las ballenas recién nacidas (ballenatos), también llamadas "pintaos", que tienen un color manchado de blanco y rosado, parecido a la enfermedad dérmica llamada carate o jovero, por lo cual se identificaba a quienes la padecían como caratejos o ballenatos. De tal forma que "vallenatos" llegó a ser un nombre para menospreciar a la gente pobre el río. wikipediacursos de guitarra bogota
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Vallenato
El vallenato es un género musical autóctono de la Costa Caribe colombiana, con epicentro en la antigua provincia de Padilla (actuales sur de La Guajira, norte del Cesar y oriente del Magdalena) y una variante importante en la región sabanera de los departamentos de Bolívar, Sucre y Córdoba. Su popularidad se ha extendido hoy a todas las regiones del país y países vecinos como Venezuela, Panamá y Ecuador. Se interpreta tradicionalmente con tres instrumentos: el acordeón diatónico, la guacharaca y la caja (tambor pequeño de cuero de chivo). Los ritmos o aires musicales del vallenato son el paseo, el merengue, la puya, el son y la tambora. [1] El vallenato también se interpreta con guitarra y con los instrumentos de la cumbia en cumbiambas y grupos de millo wikipedia
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martes, 10 de agosto de 2010
Características del merecumbé
El merengue dominicano se escribe en compás de dos por dos, el merengue colombiano en compás de seis por ocho, predominado el elemento terniario sobre el elemento binario propio del antillano, que es más lento. El injerto de merengue dominicano con cumbia no produce merecumbe
Su inventor el músico Colombiano Francisco "Pacho" Galán, hizo un injerto de merengue con cumbia. De ahí el nominativo mere, de merengue y cumbé de cumbia. Galán, quien nació en la población de Soledad (Atlantico), la tierra de la butifarra, el 4 de octubre de 1906, murió el 20 de julio de 1988 en la ciudad de Barranquilla. La trayectoria musical de Pacho Galán, que se inicia en la década del veinte, cuando apenas tiene quince años de edad, y va hasta el año 1976, cuando se retira luego de ganar un trofeo a la mejor agrupación folclórica, en un festival de salsa, en el Poliedro de Caracas, ilustra en gran medida el desarrollo de la música del Caribe Colombiano, su época de oro, los comienzos de la orquestación de los géneros tradicionales de nuestro trópico, la evolución de las agrupaciones, los cambios de estilo, como la aparición de una pléyade de compositores que hicieron palpable el espíritu de un pueblo rico en expresión, sentido lúdico, alegría picaresca y sabiduría elemental. El ritmo del Merecumbé surge en los años cincuenta, precedido por otras invenciones rítmicas cubanas, como el mambo, el batanga y el chachachá. En realidad el merecumbé acoge la cumbia y el merengue típicos de Colombia. Si bien la forma orginal del merengue es el de las Antillas cuando se extendió a Haiti y a Republica Dominicana, en Colombia ya existía una tradición merenguera. Los merengones o fiestas de merengue eran especies de parrandas (en Colombia), a las que asistían los mejores merengueros de la costa Atlantica y se realizaban en las Vegas del Magdalena, la sabana de Bolivar y otras localidades. En los merengones, los merengueros improvisaban cantos enfrentando a sus rivales con jerga de bebedores, sátiras y versos picarescos, acompañados por una danza circular donde las mujeres llevaban velas encendidas. El mismo inventor del merecumbé, Pacho Galán, aclara la confusión, cuando expresa las raíces de este género : El Merecumbé es una síntesis, una mezcla de la cumbia autóctona con el merengue del departamento del Magdalena, y no del merengue Dominicano. Claro está que las melodías del merecumbé están basadas en manifsetaciones folclóricas musicales de la costa Atlantica. "Cosita Linda", el primer merecumbé que lancé al Mercado fonografico, es original, no tiene antecedentes mélodicos conocidos, sin duda lleva el mensaje del pueblo. El merengue Dominicano se escribe en compás de dos medios, el merengue Colombiano en compás de seis octavos, predominado el elemento terniario sobre el elemento binario propio del antillano, que es más lento. El injerto de merengue Dominicano con cumbia no produce merecumbé. wikipedia
Merecumbé
El merecumbé es un ritmo colombiano inventado por el músico colombiano Francisco "Pacho" Galán, que combina la cumbia y el merengue colombianos. El nombre es el producto de la mezcla entre "mere" (de merengue) y "cumbé" (de cumbia).
En la década de los cincuenta, después de invenciones cubanas como el mambo, el batanga y el chachachá, apareció el merecumbé acogiendo la cumbia y el merengue típicos de Colombia. Si bien la forma orginal del merengue es el de las Antillas cuando se extendió a Haití y a República Dominicana, en Colombia ya existía una tradición merenguera. Los merengones o fiestas de merengue eran especies de parrandas en Colombia, a las que asistían los mejores merengueros de la Región Caribe y se realizaban en las Vegas del Magdalena, la sabana de Bolívar y otras localidades. En los merengones, los merengueros improvisaban cantos enfrentando a sus rivales con jerga de bebedores, sátiras y versos picarescos, acompañados por una danza circular donde las mujeres llevaban velas encendidas.
El mismo inventor del merecumbé, Pacho Galán, aclara la confusión, cuando expresa las raíces de este género: "El Merecumbé es una síntesis, una mezcla de la cumbia autóctona con el merengue del departamento del Magdalena, y no del merengue Dominicano. Claro está que las melodías del merecumbé están basadas en manifestaciones folclóricas musicales de la Región Caribe. Cosita Linda, el primer merecumbé que lancé al mercado fonográfico, es original, no tiene antecedentes mélodicos conocidos, sin duda lleva el mensaje del pueblo." wikepedia
lunes, 2 de agosto de 2010
Orígenes de la cumbia mexicana
No hay estudios referentes a la cumbia mexicana en particular, salvo en su país de origen (Colombia y en menor grado Panamá) donde existe amplia información de la cumbia colombiana, autores, cantantes y biografías mediante diversos documentos, principalmente los contenidos en artículos de la empresa Discos Fuentes del país suramericano, donde tuvo un principio y fin de creación debido al declive de la "época de oro" de la cumbia en Colombia y existen ciertas referencias directas a lo que se ha hecho con dicha música en México. wikipedia
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Cumbia mexicana
La cumbia mexicana es un subgénero musical de la cumbia proveniente de Colombia, siendo la adaptación y fusión de cumbia con los géneros musicales nacionales, idiosincrasia mexicana, así como la interpretación y composición musical hecha por músicos de México. wikipedia
La Cumbia México
Quizás la primera cumbia grabada fuera de Colombia, en México, en 1950, fue la Cumbia cienaguera, en la voz del cantante Luis Carlos Meyer Castandet, nacido en Barranquilla y fallecido en los Estados Unidos en 1997 siendo sus restos repatriados. Meyer había emigrado a México a comienzos de los años cuarenta, después de haber grabado en Colombia con varias agrupaciones locales. En ciudad de México hace contacto con uno de los más importantes directores de orquesta de allí, Rafael de Paz (fallecido en 1995). Con él graba en 1944 el tema "Micaela", y luego otros éxitos como "Mi gallo tuerto", "Caprichito", "Nochebuena". Gracias a su éxito, la cumbia y el porro colombianos comienzan a popularizarse en México combinándose con los sonidos locales a lado de Tony Camargo para crear los inicios de la futura cumbia mexicana, posteriormente su material llega al sur del continente (Argentina, Chile y Perú). En el país se mezclan los instrumentos de aires de metal de los ritmos cubanos con la cumbia para dar paso a ése nuevo estilo, que consolida la mexicana Carmen Rivero introduciendo timbaletas, güiro y un set de trompetas altas, mismo estilo que aún es ampliamente grabado en diversos países latinoamericanos, por lo que éste estilo crea un punto de inflexión entre lo hecho antes en Colombia y lo que se hizo poco tiempo después en México con su Cumbia Tropical para darle un camino propio a éste nuevo estilo hasta la actualidad.
En ésa misma década Mike Laure mezcla de manera drástica la base y ritmo de cumbia con elementos de percusiones de rock y guitarra eléctrica hacia 1962, creando los inicios de la cumbia-rock, que posteriormente en las décadas de 1970 y 80, el músico mexicano Rigo Tovar retoma ésta cumbia con música rock combinando los elementos usandos de guitarras eléctricas, batería eléctrica, incluyendo además sintetizadores y efectos de sampleo añadiendo líricas locales o haciendo referencias a provincias mexicanas como su tema más famoso Matamoros querido una ciudad fronteriza norteña cuya cercanía con Estados Unidos le permitían adquirir equipos de audio e instrumentos de última generación. Esta fusión ahora es llamada formalmente "cumbia-rock" aunque se volvió en parte precedente de la Tecnocumbia. Si bien desde la década de los 60's se grababa cumbia al estilo mexicano, es hacia finales de ésa década y principios de los 70's en que aparecen más grupos musicales que crean estilos propios de tocar cumbia a la mexicana, Tropical Panamá, Tropical Caribe, Renacimiento 74, Luceritos de Michoacán, Leandros del Valle, Plebeyos, Sepultureros entre otros muchos grupos regionales, entran en la escena musical del interior del páis con tendencias diferentes a las del centro y sur. Aunque la cumbia mexicana ha seguido su propio camino con muchísimas agrupaciones locales que abarcan gran parte de su discografía, en las décadas posteriores no dejó de incluirse material proveniente de conjuntos y cantantes colombianos desde alrededor de 1970, así La Sonora Dinamita se vuelve prácticamente en la embajadora de la música colombiana en México, Andres Landero, Lisandro Meza, Alfredo Gutiérrez, Armando Hernández, Policarpo Calle, Corralleros de Majagual, Rodolfo Aicardi, Joe Rodríguez, y años después llegan algunos materiales de Perú, Argentina y el Ecuador, entre muchos cantantes y grupos sudamericanos llenan la discografía mexicana, llegando a su zenith en los 80's y hasta principios de los 90's, posteriormente ésta introducción de grupos extranjeros se debilita debido a la quiebra de la principal empresa impulsora de música tropical en ese país, Discos Peerless y al apoderamiento de la escena musical de los grupos música "Grupera", invasión de la música Salsa y del nacimiento de la Cumbia sonidera y Cumbia Andina Mexicana. Gran parte del repertorio de cumbia mexicana se ha regrabado en varios países latinoamericanos. wikipedia
jueves, 29 de julio de 2010
México
Indudablemente la música de mariachi es de las más populares de México y el mundo[1] es también un referente de la música latinoamericana. El huapango, la canción ranchera, los jarabes, los corridos populares en Colombia, la banda sinaloense, los boleros, los sones abajeños, el son de marimba o el son jarocho forman parte de la variedad de géneros existentes en el país, aún y tras todo ello, se conserva actualmente la interpretación y grabación de música prehispánica. Muchas de las canciones más famosas y tradicionales de México son conocidas en todo el mundo, aunque el origen mexicano de esas composiciones a veces no es claro para quien no está familiarizado con la cultura mexicana y se le asocia únicamente a la cultura latinoamericana en general. "Cielito Lindo", "La Bikina", "La Bamba", "Solamente Una Vez" o "Bésame Mucho" son algunos de los ejemplos más claros; siendo este último tema el más interpretado y traducido decenas de idiomas en toda la música hispanoamericana. wikipedia
Laos
Laos antigua posesión francesa, la música nacional laosiana es dominada por un instrumento, el khaen (tubos de bambú atados entre sí, presentando distintas notas). Las bandas típicamente incluyen moh lam (cantante) y un ejecutante del khaen (moh khaen) junto a otros músicos. Lam vong es el género más popular de la música laosiana. Aunque tiene también algo de ritmos de influencia francesa. wikipedia
miércoles, 28 de julio de 2010
Obras de Guillermo Graetzer
Pedagogía musical
- La ejecución de los ornamentos en las obra de Bach, 1958, Ed. Ricordi Americana, ISBN 978-950-22-0270-9.
- Música para niños: guía para la práctica de Orff, 1983, Ed. Ricordi Americana, ISBN 978-950-22-0264-8.
Composiciones musicales
- 1940 Siete princesas muy desdichadas, Ballet, Libreto de Tulio Carella.
- 1940 Danzas antiguas de la corte española, Suite orquestal.
- 1942 Jerusalem eterna, Cantata para solistas, coro mixto, coro de niños y guitarra.
- 1952 Concierto para fagot y orquesta.
- 1989 La creación según el Pop wuj maya, Oratorio-Ballet.
- 1987 Música para la juventud, 17 estudios orquestales de expresión, estilo y técnica para orquestas juveniles.
- 1992 ... Y el avión de la Panamerican vuela sobre la pirámide, Recitante y Orquesta de Cámara.Poemas de Ernesto Cardenal.
Guillermo Graetzer
Guillermo Graetzer (nacido Wilhelm Grätzer en Viena, 5 de septiembre de 1914 - Buenos Aires, 22 de enero de 1993 ) fue un compositor y pedagogo argentino.
Realizó sus estudios musicales en Berlín con Ernst Lothar Von Knorr y Paul Hindemith, y en Viena, con P.A. Pisk (alumno de Arnold Schönberg), hasta que en 1939 huyendo del nazismo emigra a la Argentina.
Ya en Buenos Aires escribió una versión para Sudamérica del Método Orff,dirigió el coro Asociación Amigos de la Música de Buenos Aires, y en 1946 fundó el Collegium Musicum de Buenos Aires.
Fue maestro de composición, orquestación y dirección de coro en la Universidad Nacional de La Plata, que le otorgó el título de profesor emérito.
Como reconocimiento póstumo, la Sociedad Argentina de Autores y Compositores creó el concurso de composición Guillermo Graetzer y la Fundación Konex le asignó el Premio Konex de honor en música clásica. wikipedia
Berthold Goldschmidt
Berthold Goldschmidt fue un compositor alemán (aunque vivió gran parte de su vida en Gran Bretaña) nacido en Hamburgo el 18 de enero de 1903 y fallecido en Londres el 17 de octubre de 1996.
Perseguido por el régimen nazi[1] e incomprendido por muchos modernistas que criticaban su “anacrónico” lirismo, su obra pasó desapercibida hasta su renacimiento en la última década de su vida.
La carrera musical de Goldschmidt comenzó durante los años 20 del siglo pasado, en tiempos de la República de Weimar en Alemania junto a maestros como Ernst Krenek, Paul Hindemith y Erich Wolfgang Korngold. En sus tiempos de estudiante de filosofía en la Universidad de Hamburgo, el compositor italiano Ferruccio Busoni le alentó a escribir música.
Su primer gran éxito es una obra de 1925, su Passacaglia opus nº 4, que le significó el prestigioso Premio Mendelssohn. Con un futuro prometedor, Goldschmidt alcanzaba un inicial climax en su carrera musical en 1932, con el estreno de su ópera Der gewaltige Hahnrei en Mannheim. Pero el inmediato ascenso de los nazis al poder (en 1933) cortó su trayectoria, condenando su obra como “música degenerada” y siendo incluido en la nómina de compositores judíos (además de otros no judíos) que alteraban la pureza musical de Alemania. Esto significó la cancelación de sus actuaciones, la prohibición de su obra en el país y la imposibilidad de realizar conciertos, lo que le abocó a subsistir dando clases de piano, hasta que emigró a Inglaterra en 1935.[2]
Durante la Segunda Guerra Mundial trabaja para la BBC, mientras compone obras como su Concierto para violín, violonchelo y clarinete, La Chacona Sinfónica o la ópera Beatrice Cenci. En 1947 obtiene la nacionalidad británica.
En los años 50 y 60 ganó varios premios de composición y realizó una edición de la Décima Sinfonía de Gustav Mahler.
Durante sus últimos años de vida experimento el auge de los compositores de la llamada “música degenerada”, reactivándose su labor en países como los Estados Unidos o su patria inicial, Alemania, con nuevas grabaciones de sus trabajos. Poco antes de morir escribió su trabajo final, el Deux Nocturnes, a la edad de 93 años. wikipdia
Música Autóctona
Antes de la llegada de los colonos españoles, El Salvador compartía la cultura con los Mayas/Pipiles, que hablaban la lengua Náhuat, los Lencas que hablaban Potón, los Chortís cuya lengua era la Chorti, etc. Los Pipiles fue la etnia más numerosa; además hubo Pokomames, Cacaoperas, etc.
Poco se sabe sobre la música tradicional de estos pueblos antes del contacto con los europeos.
La música de los Pipiles y Antiguos Mayas era principalmente con Tambor, Traqueteo y Flauta. Un grupo notable de música indígena es Talticpac, que significa en castellano: “sobre la tierra”.
A la venida de los españoles, la música clásica europea y la española se mezclaron con los estilos nativos.
Una canción indígena muy conocida en El Salvador es "El Torito Pinto".
Un músico salvadoreño muy conocido fue Pancho Lara, quien escribió la canción "El carbonero", la cual es proclamada popularmente como el segundo Himno Nacional de El Salvador, y esta composición menciona al ave nacional, "el torogoz". wikipedia
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